Quelles sont les motivations qui vous ont amenées à lancer ce projet et sur quels constats ?
ARTEM est né d’une envie commune : créer des passerelles entre le monde de l’art contemporain et celui de l’artisanat, à une époque où l’intelligence artificielle prend une place grandissante et où nous ressentons le besoin de redonner toute sa valeur à la créativité humaine, au geste et au savoir-faire.
Nous avons toutes les deux évolué dans des univers créatifs et culturels et avons fait un double constat. D’un côté, il existe de nombreux artisans qui perpétuent des savoir-faire remarquables, parfois transmis depuis plusieurs générations. Ces derniers ressentent le besoin de renouveler leur approche, d’explorer de nouvelles perspectives et de confronter leur maîtrise technique à d’autres regards créatifs. De l’autre, il y a des artistes talentueux qui souhaitent explorer de nouvelles techniques artistiques mais qui manquent de temps et de moyens.
De nos jours, la réalité du métier d’artiste est très exigeante. Créer des œuvres ne suffit plus : il faut également communiquer, développer sa présence sur les réseaux sociaux, assurer ses relations publiques, trouver des galeries, rencontrer des collectionneurs et commercialiser ses œuvres pour pouvoir vivre de sa pratique. Toutes ces tâches laissent parfois moins de temps et de moyens à la création elle-même.
Vous permettez à des artistes peintres de décorer des pièces réalisées par des artisans. A-t-il été aisé de les convaincre dans les deux sens ?
C’est un des aspects significatifs du projet, mais aussi l’un des défis ! Il a fallu trouver le bon équilibre et surtout les personnes ayant envie de sortir de leur zone de confort. Les artistes doivent être attentifs à la cohérence de leur démarche et à la manière dont leur travail est perçu. Explorer un nouveau territoire peut donc présenter une prise de risque lorsqu’ils s’éloignent de leur “démarche artistique”. Nous avons parfois senti cette prudence et nous comprenons et respectons ces interrogations.
Du côté des artisans, le dialogue a porté sur la clarification des rôles de chaque partie : l’artisan met sa maîtrise technique au service du développement et de la réalisation de l’œuvre, tandis que l’artiste en porte la vision et la direction artistique. Cela a parfois nécessité un temps d’adaptation, notamment pour ceux qui conçoivent et signent leurs propres réalisations. Accepter de mettre son savoir-faire au service d’un autre, sans nécessairement être mis en avant, implique une certaine ouverture.
Quels sont vos critères de sélection des artistes ? Les trois premiers vivent en Suisse. Souhaitez-vous rester local ?
Nous sélectionnons des artistes dont l’univers artistique est solaire et coloré. À une époque où la décoration d’intérieur met en avant des univers plutôt minimalistes et épurés, nous avons pris le contre-pied avec un style vibrant et expressif. Le choix des artistes basés en Suisse renforcent l’ancrage de notre entreprise. Au fil du temps, nous ouvrirons les collaborations à l’international.
- L’artiste suisse Anton Hasler (né en 1988) crée un univers pictural post-digital où cohabitent humain, rêve et réalité. Au cœur d’écosystèmes symboliques et de figures hybrides, sa pratique fusionne techniques traditionnelles et numériques — mêlant huile, aérographe, dessin digital et impression — pour donner vie à des œuvres oscillant constamment entre matière et virtualité.
- Eilena Braye est une artiste française née en 1988, installée en Suisse et pathologiste de formation, qui fusionne science et abstraction. Inspirée par la biologie cellulaire et l’histologie, elle utilise l’acrylique, les techniques mixtes et la sérigraphie pour transformer des structures microscopiques médicales en œuvres d’art vibrantes.
- Née en Pologne en 1991 et basée en Suisse, Justyna Maria Porowska fait dialoguer la rigueur de l’architecture avec l’émotion de la peinture. Son univers se distingue par une économie de moyens et une maîtrise remarquable des textures, où chaque couche de matière construit son propre espace.
Les pièces sont réalisées en Italie et en France, deux pays réputés pour la qualité de leur artisanat. Le coût de la production est sans doute plus bas qu’en Suisse ? Quelle est la quantité produite pour chaque pièce ?
Le choix de l’Italie et de la France répond avant tout à une recherche de savoir-faire spécifiques, mais aussi à des affinités culturelles, humaines et esthétiques. Nous avons développé nos premières collaborations dans les Pouilles, une région à laquelle nous sommes toutes les deux attachées. Les artisans possèdent une grande maîtrise de leur pratique, mais peu connus à l’international. Nous avons été particulièrement touchées par leur accueil et l’intérêt réservé à notre démarche.
En France, nous travaillons avec une jeune manufacture textile. Chez eux, nous retrouvons une vision plus contemporaine et innovante de l’artisanat, tandis que certains de nos ateliers italiens s’inscrivent dans une tradition familiale.
Le coût de production entre dans l’équilibre économique du projet, mais il ne guide pas nos choix. Nous proposons aux artistes une résidence artistique dans les Pouilles pour développer les collections, afin qu’ils puissent s’imprégner des lieux et travailler directement avec les artisans. La production est faite en éditions limitées, entre 5 et 15 exemplaires selon la nature de l’œuvre et la complexité de la fabrication.
